実はジャム・セッションの基本だったんですね。

こんにちは、ぢゃっくです。

ビリーの音使い解析シリーズの第3回です。

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自由自在なフィルインを弾くポイントは、一言でいうと、

キーのペンタトニック・スケールの構成音だけを使ったフレーズであれば、曲中のどんな時に使っても大丈夫である！

というもので、「キーのペンタは鉄板！の法則」だというお話でした。

▼何も知らない曲なのに！

実は、僕がこれに気づいたのは、つい最近（１年ほど前）のことです。しかも全くの偶然でした。

自宅のリビングでベースの練習をしていたんです。

ペンタトニック・スケールのボックス・ポジションを覚えようと、指板全体を使って、繰り返し弾いていたんですね。

そのとき使っていたのは、ビリーの教則ビデオ「Billy Sheehan Bass Secret」で紹介されていた5個のポジションで、今思えば、Gメジャー（Eマイナー）キーのペンタトニック・スケールを使うものでした。

そのとき、ちょうどCDも再生していて、ドリカムか槇原敬之かなんかの曲が流れていたのですが、ふと「いつ、どこをどのように弾いても、違和感なくハマる曲」があることに気づいたんです。

偶然、キーが一致したんですね。(^^;

僕は、思わず、立ち上がってしまいました。

練習したこともないし、コード進行とか「何も知らない」のに、曲に不思議とピッタリくるフレーズを、延々と弾けてしまうじゃないか！

かなりの衝撃でした。それから夢中になって他の曲でも色々と試してみると、

１．まず曲のキーを調べる。（曲が終わるときのベース音から判断）
２．そのキーのペンタトニック・スケールの音だけを使う。

ようにすれば、どんな曲にも応用できるということが分かりました。

これが、脳科学者の茂木先生の言うところの「アハ体験」というやつでしょうか（笑）。その夜は気分が高ぶっていたのを覚えています。

▼セッションできるかも？

後から知ったのですが、これはジャム・セッションの基本だったのですね。

セッションを楽しめるスキルのある人からすれば、これまでの話は「そんなもの基本中の基本だ。何をいまさら。」と言われてしまいそうです。(^^;

YouTubeで「jam session backing」と検索すると、ジャム・セッションを楽しむためのバッキング・トラックの音源がたくさん見つかりますが、どれも必ずキーが書かれています。

また、ポール・ギルバートが他のアーティストとジャム・セッションする動画を見ていくと、最初に「What’s the key in?」（キーは何？）と聞いていたり、「Let’s jam in A!」（キーAでジャムろう！）と言っている様子も見られました。

まずキーを主体に考えるのが、ジャム・セッションの基本だったというわけですね。しかし・・・

( ;∀;)　アドリブをしたくても、どこをどうやって弾いたら良いのか全然わからない。

( ;∀;)　いくらテクニカルなスキルが身についても、結局フレーズ自体はコピーどまりで、まったく応用が利かない。

( ;∀;)　ジャム・セッションなんて、いったいどうやったら出来るんだ？

と長年の悩んでいた僕にとっては、目からウロコの出来事だったんです。

このことを知ってから、曲に対する考え方が大きく変わり、色々なことが見えてきました。

(゜.゜)　あ！この部分って実は「転調」してたのか。

(゜.゜)　ここで平行調に転調してるからガラッと雰囲気が変わるのか。

(゜.゜)　ここのライトハンドは、キーのペンタトニックの構成音を弾いてるだけだったのか。

(゜.゜)　アドリブでソロをとるときは、各小節の最後でキーの主音に戻るようにすれば、まとまりやすいんだな。

(゜.゜)　ペンタトニック・スケールに、一瞬だけ「b5th」とか「m6th」の音を足すのはカッコいいんだな。

と、急速に理解が深まっていったんです。それぞれについての詳細は、また別記事で解説しますね。

まだ理論的な裏付けまでは出来てないのですが、少なくともビリーのプレイを紐解く上では「劇的な進歩」でした。

また長くなってしまいましたので、今回はこのへんで。次回は、具体的な例を挙げてみますね。